2. BROKEN BELLS / 3. YEASAYER

2. BROKEN BELLS, BROKEN BELLS

Sin lugar dudas Brian Burton, mejor conocido como Danger Mouse, es el Rey Midas de la música contemporánea.

El colaborador y co-creador de propuestas como Gorillaz, Gnarls Barkley o Sparklehorse, en esta ocasión se hace acompañar por James Mercer, de The Shins, para que ponga la voz, el bajo y la guitarra en sus composiciones.

Broken Bells es el nombre de este proyecto en el que Danger Mouse parece tomarse una pausa para tomar respiro y hacer un disco preciso y elegante, sencillo y profundo, sensible y sin embargo abrsolutamente que le viene a la perfeccion a este dúo.

Sonidos pop de pronto minimalistas, de pronto ambientales, por momentos sicodélicos y en otras ocasiones con delicadas texturas que suenan a música de cámara del nuevo milenio.

Letras sencillas y directas, reflexivas y sin pretensiones que van perfectamente de la mano con las melodías, sencillas y ricas en detalles

The High Road abre el disco con elegancia. Vaporize figura guitarras rítmicas, moogs y coros y Trap Doors es una pieza tranquila en el más puro espíritu hippie. En cambio, October y Mongrel Heart ponen un poco más de ritmo al album para terminar el disco con un sentimiento de optimismo en medio de un día nublado.

The Ghost Inside tiene un steady beat electronico más moderno y el video es una version extendida de la canción, cálidas fantasias de lujo y confort en un frío ambiente de ciencia ficción.

Uno de los trabajos más finos del año y otro éxito más en la carrera de Danger Mouse.

NOTA: Una vez más, como me ha pasado varias veces a lo largo de este recuento, no he podido insertar el video original. Realmente no entiendo por qué razón no se permite que se promociones su trabajo. Aquí va una versión en donde se ve a Broken Bells interpretando en vivo la canción. Para ver el video original, haz clic aquí.

3. YEASAYER, ODD BLOOD

Apenas el segundo disco de esta banda de Nueva York, que en sus cortos 3 años ya han recorrido los festivales más importantes de EEUU y han llamado la atención del mundo entero.

No es un grupo basado en guitarras, pero tampoco es música electrónica. Rock experimental, pop sicodélico con influencias pop y de world music que resultan en una asombrosa propuesta, fresca y bailable.

Comparados con bandas como Dirty Projectors o Animal Collective, sus influencias van desde el espíritu vanguardista de John Lennon o David Bowie de los 70, el synth pop de Devo o el new wave de OMD de los 80, hasta bandas de los 90 como Underworld o Moby.

La producción la realizaron ellos mismo, y está llena de sonidos extravagantes y beats poco convencionales, melodías que van de lo suave al desmadre y arreglos corales que contrastan con la complejidad de las composiciones.

Comienzan parsimoniosos con The Children, una pieza ambiental. I Remember es una balada ensoñadora y romántica y O.N.E. tiene toda la influencia del electropop de los 80, mientras que Rome está basada en ritmos marroquíes, deconstruídos para formar una pieza rítmica y muy alegre y Mondegreen es la única canción en que las guitarras figuran un poco más.

Ambling Alp es un hit instantáneo, con fuertes reminiscencias de los 90, inspirado en la figura del boxeador Primo Carnero y el video es igualmente surreal, original y provocador.
Sencillamente, una de las bandas más sorprendentes de este año.

4. DEERHUNTER / 5. CRYSTAL CASTLES

4. DEERHUNTER, HALCYON DIGEST

Un cuarteto de la escena independiente americana de Atlanta, Georgia, que regresa después de una pausa de dos años con su cuarto album de estudio.

Indie rock, dream pop, post rock o emos, llámenle como quieran, de cualquier forma jamás habrá etiquetas suficientes para catalogar las nuevas y diversas formas musicales del siglo 21.

Sicodélicos en la onda de Animal Collective o MGMT o melancólicos, con ese puntito retro al estilo de Glasvegas, Deerhunter se ha hecho un nombre debido a su persistencia en su extraño sonido, moderno, arriesgado y poco convencional. (No por nada los proyectos paparelos Atlas Sound, del vocalista Bradford Cox, y Lotus Plaza, del guitarrista Lockett Pundt, van por estos mismos caminos creativos).

La producción de Halcyon Digest es eficiente, por no decir suficiente, dejando que la instrumentación luzca por si misma sin muchos artificios.

Abren con espíritu experimental con Earthquake. Muestran su espírutu más indie y folk en Don’t Cry o Coronado y sus influencias de Stereolab en Memory Boy, o de Sonic Youth en Desire Lines o Fountain Stairs. Se ponen nostálgicos en Sailing, Basement Scene o Helicopter, para cerrar magistralemente con He Would Have Laughed, una pieza casi minimalista y armada al estilo de las canciones de Arcade Fire, que es en realidad un homenaje al fallecido Jay Reatard.

Desire Lines es una canción escrita por Pundt, una de las dos en las que figura en las vocales.

Deliciosa e inclasificable música que expone las inquietudes emocionales de una generación que busca encontrarse a sí misma lejos de las convenciones habituales.

5. CRYSTAL CASTLES, CRYSTAL CASTLES

Ethan Kath y Alice Glass, el productor y la vocalista. Los dos de Toronto, Canadá. Él con sus sintetizadores y cajas de ritmos, ella con su actitud punk y desafiante. Dos personajes de la generación rave perdidos en el tiempo, como si al acabarse la fiesta hubieran decidido seguirla por su cuenta.

Se hacen acompañar por Christopher Chartrand en la batería durante las presentaciones en vivo, lo que les da un poder muy particular. Sin complicarse demasiado, le ponen a su segundo disco el mismo nombre que el primero, que es en realidad el nombre de la banda, Crystal Castles.

Sin mucha promoción, se han convertido casi instantáneamente en una banda de culto, con giras mundiales, presentaciones en festivals y abriendo para grandes nombres.

Música electronica experimental y lo-fi. Por momentos bizarros y arriesgados, en general melancólicos y oscuros, pero de pronto se ponen bailables y ligeros, creando un paisaje general que resulta interesante y jamás aburrido.

Grabados en diferentes locaciones no convencionales, este album resulta una producción casera pero compleja, con temas directos y sin pretensiones. Ruidos y detalles a cada momento, estimulantes y provocadores, que nos recuerdan a Justice y la escuela francesa, junto con blips y sonidos que parecen sacados de aquellos videojuegos de 8 bits.

Fainting Spells, Year Of Silence pasan de las distorsiones al dance con una sutileza admirable. Baptism, Birds o Pap Smear son piezas que van directamente a la pista de baile. Y llegan a los extremos en Violent Dreams, etérea y ensoñadora, en contraste con Doer Doer, su momento más punk, electroclash y salvaje.

Hace unos meses lanzaron una version de I’m Not In Love con Robert Smith como colaborador de lujo.

Un trabajo que demuestra que la nueva tendencia no es la mega producción de millones de dólares y la distribución por medio de grandes corporaciones, sino el talento, el trabajo fino y los medios electronicos para darse a conocer.

6. NEIL YOUNG / 7. HOW TO DESTROY ANGELS

6. NEIL YOUNG, LE NOISE

Desde el primer guitarrazo sabes lo que te espera: una leyenda viviente del rock que regresó este 2010 para demostrar nada, sino simplemente para hacer lo que mejor sabe.

Esto es lo que pasa cuando un artista tiene algo que decir y sabe cómo quiere decirlo.

Desde el título, Le Noise, Neil Young demuestra porqué es el padre del grunge (aunque también es un juego de palabras con el nombre del productor del album, Daniel Lanois).

Un disco casi experimental, grabado en el estudio de su casa. Canciones emocionantes y precisas. Un par de temas acústicos y todo lo demás eléctrico, envolvente, cautivador.

Simplemente Young y su guitarra distorsionada, regrabada e hipermezclada, lo que habla no solo de su virtuosismo sino también de su experiencia detrás de años de grabar discos.

Las letras son como siempre impactantes, sensibles y apasionadas, reflejando la reflexividad de su edad pero con toda la actitud que ya quisieran muchos jóvenes.

Su voz cruda, ruda, cascada pero aún rockera y decididamente directa le valió una nominación a un Grammy por mejor interpretación solista masculine de rock.

Walk With Me abre el disco con potencia, marcando la pauta de los flangers y efectos especiales que le acompañan en este trabajo. Someone’s Gonna Rescue You o Hitchhiker siguen por le mismo camino, mientras que Love And War o Peaceful Valley Boulevard son temas grabados “al natural”, recuperando sus influencias folk, siempre con su inconfundible estilo.

En Angry World expresa como nunca, o como siempre, su comprometida vision del mundo.

Uno de esos artistas incombustibles que jamás caducan.

7. HOW TO DESTROY ANGELS, HOW TO DESTROY ANGELS EP

Obviamente, cuando el mundo se enteró que Trent Reznor (Nine Inch Nails) iba a grabar un disco con su nueva esposa, no pudimos menos que levanter una ceja y sospechar lo peor.

Pero afortunadamente, nada que ver con John y Yoko. How To Destroy Angels no es un regalo cursi e innecesario para una mujer sin talento y con ganas de figurar. Todo lo contrario, es un disco interesante, en donde Reznor con todo su oficio no hace más que dejar la parte vocal a su mujer y ocuparse del resto.

Hay que decir que Mariqueen Maandig no es una novata. Era la líder del grupo West Indian Girls, que ahora, junto con Reznor y Atticus Ross (Bomb The Bass, Saul Williams, Zach De La Rocha), conforman este nuevo proyecto.

Es solo un EP, pero cada una de las sies canciones del disco son excelentes.

Casi todo el album suena a NIN, con su clásico estilo rock post industrial, oscuro y profundo. Breakbeats, sintetizadores, distorsiones y ambientes melancólicos, pero ahora cantado por una mujer, lo cual no suena nada mal. Parasite o The Believers van mucho por este camino. Fur Lined es un tema rítmico y muy bailable, quizás reflejo del toque femenino en la composición, mientras que A Drowning es una pieza más melodiosa en la interpretación vocal.

El video de The Space In Between es igualmente oscuro y perturbador.

¿Continuará esta historia o será sólo un proyecto momentáneo? El tiempo dirá.

8. CEE LO GREEN / 9. EVERYTHING EVERYTHING

8. CEE LO GREEN, THE LADYKILLER

La mitad cantante de Gnarls Barkley se desmarca del DJ y productor Danger Mouse para regresar a su carrera como solista y nos sorprende con un disco en el que no solo regresa a sus raíces, sino que nos ofrece una nueva forma de entender la música popular contemporanea.

Nuevo soul, R&B, funk y pop, heredero del sonido Motown, cada canción podría pertenecer a la banda sonora imaginaria de una película de los 70.

Haciendo honor al título del album, The Lady Killer es romántico, elegante y absolutamente bailable, como puede serlo un mata-damas (en el sentido metafórico de la expression).

Utilizando diferentes productores para cada tema, resulta en general una estupenda producción, con una cuidadísima instrumentación que no escatima en músicos y en arreglos orquestrales.

Con su inconfundible voz, tan clásica y atemporal como moderna, de inmediato consiguió un éxito rotundo con Fuck You, su primer sencillo, un tema alegre y desenfadado que resume a la perfección el espíritu del álbum.

Love Gun podria ser una reversion de Peter Gunn, Wildflower o Satisfied son más pop y alegres, como sacada de un programa de TV, Bodies o Fool For You son baladas intensas y I Want You o No One’s Gonna Love You son hermosas declaraciones de amor que conquistan a cualquiera.

En el video de It’s Ok, este rollizo intérprete se hace acompañar por unas coristas que bien podrían ser las nietas de las Supremes.

Un disco disfrutable de principio a fin que augura nuevos horizontes en la vida de este singular artista.

9. EVERYTHING EVERYTHING, MAN ALIVE

Everything Everything es una de esas bandas que vuelven locos a los críticos inventando nuevas etiquetas para intentar definir su sonido.

Llámese art rock, post punk o electro pop, en todo caso es innegable la influencias del rock pop y el new wave de los 80, desde Wham hasta Joy Division pasando por Queen, eso sí, con una producción fina y eficiente propia del siglo 21.

Con Man Alive, este grupo acuartelado en Manchester hace un interesante debut  y se coloca en la mira tanto de los críticos como del público general, que no dejan de alabarlos.

Un disco con piezas complejas, en donde abundan los sintetizadores y los coros, con interesantes lineas rítmicas de bajo y el acompañamiento de guitarras precisas batería que acompañan al constante falsetto de la voz principal, con sus letras no menos rebuscadas e intrépidas que su música.

MY KZ, UR BF, Schoolin, Suffragette Suffragette o Come Alive Diana son canciones alegres y poderosas que le mueven los pies a cualquiera y que contrastan con Leave The Engine Room o Two For Nero, ambientales y de un beat menos intenso. Más difíciles de entender y digerir, NASA (Is On Your Side) o Weights son temas con movimientos diversos que van de lo etéreo a lo frenético.

Les dejo el video original de Photoshop Hansdome, lanzado en 2009. Un cambio en la alineación del grupo les obligó a hacer una nueva versión en 2010 que también vale mucho la pena.
Excéntricos y muy divertidos, son sin duda una de las bandas a seguir en los próximos años.

10. DELPHIC / 11. CARIBOU

10. DELPHIC, ACOLYTE

El disco debut de este cuarteto ingles de Manchester fue el primer gran disco del 2010.

Alejándose de las comparaciones de las bandas mancunianas de los 80, su estilo pop bailable con influencias new wave cautivó desde el primer momento, como punta de lanza de lo que serían varios lanzamientos en el año de bandas con estas características, como Hurts, Everything Everything, etc.

Quizás lo que distinga a Delphic sea su sonido estilizado y ensoñador y su sonido indie y post-brit pop, beats alegres y cercanos al dance y a la música electronica, una producción limpia y muy cuidada, a pesar de que su música está hecha con instrumentos eléctricos.

Es de llamar la atención que de pronto hayan saltado a la fama con hits instantáneos como Doubt, This Momentary o Halcyon, en donde los ritmos bailables se conjugan a la perfección con las líneas de bajo y las guitarras para crear ambientes llenos de actitud que sorprenden y envuelven.

En México tuvimos la oportunidad de verlos en el festival Corona Capital, en donde dieron una muestra de la calidad en su interpretación que puso a mover los pies a todos los presentes.

Counterpoint fue preciamente la canción con la que cerraron el concierto, en una apoteósica demostración del poder de su música.

11. CARIBOU, SWIM

El músico y matemático canadiense Daniel Victor Snaith lleva más de una década mezclando géneros para crear sonidos electronicos sorprendentes, antes conocido bajo el nombre de Manitoba y ahora como Caribou.

En vivo se hace acompañar de una banda de músicos dentro de la cual asume el rol de guitarrista o percusionista, lo cual se refleja a lo largo del álbum en la gran cantidad de pequeños detalles que demuestran la experiencia de Snaith y que hacen que este trabajo sea absolutamente disfrutable de principio a fin.

Mezclando house, indietronica, minimal tehno y krautrock, su estilo “suavecito”, refinado en el estilo de Arthur Russel o James Yuill, absolutamente bailable, desde los arreglos hasta su voz, con arreglos de vientos y cuerdas que le dan el toque fino a su trabajo. Una producción cuidada hasta las últimas consecuencias que aún así suena fresca y relajada, experimental y casera.

Kalli, Hannibal o Jamelia son perfectos ejemplos del estilo diferente y novedoso de este músico que intenta que su música suene orgánica y acuosa más que basada en elementos artificales de plástico o metal.
Odessa fue el primer sencillo de este disco y fue in inusitado éxito que también tuvimos la oportunidad de ver en vivo en la ciudad de México.

12. GRINDERMAN / 13. LAURIE ANDERSON

12. GRINDERMAN, 2

Sólo algunas leyendas del rock se mantienen y se renuevan con el tiempo.

Este es el caso del australiano Nick Cave, un artista que se mueve siempre dentro de un denotado prestigio y reconocimiento a pesar de su actitud rebelde y alejada de los reflectores que acompañan a las grandes estrellas.

Haciendo una parada entre sus producciones solistas acompañado de The Bad Seeds, este trabajo viene a reforzar el mito de Cave como un poeta maldito, con sus letras estremecedores y su particular forma de componer. El mismo dijo que este disco trata acerca del sexo y la muerte, por si hubiera temas más profundos que eros y tánatos vistos desde la perspectiva de este visionario artista.

Sin importales el éxito comercial, el segundo disco de Grinderman es una obra oscura y diversa en la que vuelven a demostrar su talento y su particular propuesta, llena de ambientes envolventes y una instrumentación rica en sonidos inusuales y provocativos.

Palaces Of Montezuma o Fire Boy recuerdan las melodías de narrativa épica clásicas de Cave, en el estilo de Bring It On, de su primer trabajo, pero también se ponen densos y sicodélicos en When My Baby Comes, demenciales y delirantes en Evil o Kitchenette, o hipnóticos y seductores en Bellringer Blues

Heathen Child es una pieza de exquisita perversión, un collage lleno de símbolos perturbadores, y el video no lo es menos.

13. LAURIE ANDERSON, HOMELAND

Dentro de la historia de la música popular contemporánea, pocas mujeres han logrado romper con los estereotipos del rock masculino para hacerse un lugar propio y con toda autoridad.

Laurie Anderson es uno de los mejores ejemplos de este tipo de artistas. Una poetisa, una innovadora del performance y la multimedia, que se mantiene vigente a través de los años, sin tener que ponerse mallitas y bailar como quinceañera, sino más bien madura, seria, reflexiva y cuidadosa con su estilo musical.

Siempre intelectual y con una comprometida posición política, esta obra trata de temas actuales que atañen directamente a las acciones de su país, Estados Unidos, en cuanto a su intervencionismo en la escena global y los asuntos internos que más interesan en materia de economía y sociedad.

Cada canción es una pieza etérea, composiciones basadas en sintetizadores ambientales, con influencias de armonías de medio oriente.

Destaca Another Day In America, una narración de 11 minutos en la que recurre, como lo ha hecho en otras ocasiones, a deformar su voz hasta llegar a un registro masculino (no por nada aparece en la portada del disco con bigote y cejas postizas).

Only An Expert es una pieza directa, en donde da rienda suelta a su crítica con un sarcasmo delicioso y sorprendente. Verla actuar en directo es cautivador, simplemente una artista y su sintetizador enfrentándose al mundo con singular valentía.
 Rock artístico y experimental, paisajes sonoroes elegantes y letras profundas y precisas que demuestran el oficio de esta dama.

14. THE BLACK KEYS / 15. THE DEAD WEATHER

14. THE BLACK KEYS, BROTHERS

Dentro de un universo de etiquetas rebuscadas que intentan clasificar géneros mixtos y todo tipo de mezcla de estilos, es cada vez más difícil encontrar en estado puro eso que se llama simplemente “rock”.

Pero The Black Keys son un caso especial. Recuperan sin vergüenza el sonido blues rock de artistas como Hendrix, Rolling Stones o Led Zeppelin y lo llevan al terreno cercano a The White Stripes, comparables quizás a Cold War Kids, aunque son anteriores y mucho más básicos y virtuosos.

Brothers, el sexto disco del dúo de Ohio formado por Dan Auerbach (guitarra y voces) y Patrick Carney (batería y producción), es un gran ejemplo de que lo que ayer era la base, hoy es la alternativa, en un mercado saturado de fusiones que pretenden ser vanguardia.

Música directa, con instrumentación básica de guitarra, bajo y batería, aderezado con sintetizadores análogos y una producción sencilla y eficiente que le da ese aire sucio de garage que los hace sonar como clásicos instantáneos.

Y no son para nada aburridos ni monótonos. En los 15 temas del álbum van desde ponerse rudos y directos en Next Girl o Howlin For You, o sicodélicos en Black Mud o Sinister Kid, y no tienen problemas en meterse en versión de Never Give You Up o hacer baladas como Too Afraid To Love You, I´m Not The One oThese Days.

Tighten Up fue el primer sencillo, con el que debutaron en el número 3 en las listas de popularidad, algo inusitado para una banda de este estilo, y en el video les enseñan a rockear a las nuevas generaciones, demostrando que el amor, como el rock, no tienen edad.

15. THE DEAD WEATHER, SEA OF  COWARDS

Últimamente está de moda el regreso del concepto de “supergrupo”, acuñado en la década de los 60 gracias a Cream y ejemplificado recientemente por bandas como Audioslave o Queens Of Stone Age.

Formados por Allison  Mosshart (The Kills), Dan Fertita (Queens Of Stone Age), Jack Lawrence (The Greenhornes) y lidereados por el incombustible genio del compositor y mutli-instrumentista Jack White (The White Stripes, The Reconteurs), en esta ocasión en la batería, The Dead Weather no sólo son una banda formada por destacados músicos, sino que realmente suenan con toda la fuerza de aquellas agrupaciones legendarias.

Sea Of Cowards es su segunda producción, en la que una vez más demuestran su virtuosidad y actitud 100% rockera, con sus influencias del rock sureño (obviamente, son de Tennessee) y ese punto de rudeza y finura que tiene la música de las bandas en las que participa White.

Once temas sin desperdicio, llenos de detalles en la producción, con guitarras poderosas y riffs imponentes en Jawbreaker, sintetizadores hipnóticos en The Difference Between Us, composiciones complejas y explosivas como Gasoline y un espíritu absolutamente rockero en No Hors
El video de Die By The Drop es oscuro, gótico, en donde un provocador Sombrerero Loco y una perturbadora Alicia apadrinan un ritual al estilo de la secuencia del cementerio de Easy Rider. Rock duro y sin concesiones para abrir la segunda década del siglo 21.
NOTA: No ha sido posible insertar el video original, así que va una versión en vivo que vale igual la pena. Para ver el video original, haz click aquí.

16. LCD SOUNDSYSTEM / 17. UNKLE

16. LCD SOUNDSYSTEM, THIS IS HAPPENING

James Murphy, fundador de LCD Soundsystem, advirtió que This Is Happening sería su último disco.

Sería una lástima, ya que la tercera producción de esta banda colaborativa es un magnífico álbum, en el que la banda de Nueva York ha llegado a pulir y consolidar un estilo propio.

Pow Pow, One Touch y I Can Change tienen todo el espírutu de Losing My Edge, con la que se dieron a conocer en 2002, demostrando a la perfección el momento musical en el que se encuentran.

Cada canción se va armando como un pequeño rompecabezas en donde poco a poco las piezas se van conjuntando hasta formar apoteósicas piezas llenas de ritmo y detalles sonoros que las hacen deliciosas y bailables compisiciones, absolutamente disfrutables.

Rompiendo cualquier formato comercial convencional, con sus temas de 6 a 9 minutos de duración, respaldan su palabra cuando cantan “¿Quieres un hit? Bueno, eso no es lo que hacemos”. Y a pesar de ellos mismos, el sencillo Drunk Girls resultó ser un éxito.

Precisamente es el video de Drunk Girls, co-dirigido por Murphy y el afamado director Spike Jonze, el que se lanzó parta promocionar este trabajo. Pero yo les dejo aquí el video de Home, la canción que cierra este trabajo, en el que un robot vaga por las calles de la ciudad en busca de amigos y música para pasarlo bien hasta llegar a la fama mundial, conciertos masivos y orgías desenfrenadas, que me parece más representativa del sonido de la banda.

17. UNKLE, WHERE DID THE NIGHT FALL

El proyecto lidereada por James Lavelle regresó este año para continuar su leyenda con When The Night Fall, su cuarto álbum de estudio.

Alejados de sus inicios dentro del trip hop y la fusión de la música electrónica con los instrumentos eléctricos, este trabajo suena más orgánico y más personal. Con sus ritmos sincopados, sonidos envolventes basados en sintetizadores y guitarras perfectamente orquestadas y arreglos sombríos y con un sabor de sicodelia e introspección, este grupo sigue demostrando que más de diez años despuñes de la era DJ Shadow, su propuesta es legítima y aún tiene mucho que ofrecer.

Vuelve a echar mano de colaboraciones, con viejos y nuevos amigos como Gavin Clark, Autolux, Katrina Ford o James Cadbury (South) o Mark Lanegan (Screaming Trees).

El primer sencillo fue Natural Selection, con The Black Angels, que fue colgado en la red para descargar gratis. Pero el tema Follow Me Down es el que mejor refleja la esencia del disco. Cuenta con la participación de Sleepy Sun, y el video es provocativo, oscuro y sensual, transmitiendo a la perfección el mundo en el que se mueve esta banda.

18. CHEMICAL BROTHERS / 19. AUDIO BULLYS

18. THE CHEMICAL BROTHERS, FURTHER

Debido a su exitosa trayectoria, The Chemical Brothers se ha convertido en uno de esos grupos a los que se les exige demasiado. Quizás es por eso que el séptimo disco del dúo inglés formado por Ed Simmons y Tom Rowlands no parece de entrada tan notorio como sus predecesores, pero es una muestra de que no se conforman con repetir fórmulas, sino que intentan rebuscar dentro de su sonido y su estética nuevas formas de mantenerse vigentes.

Obvia influencia en la generación nu-rave, el álbum tiene diferentes movimientos en cada una de sus canciones, lo que siempre los acercó a los grupos de rock pop tradicionales, a diferencia de los beats continuos y repetitivos de los DJ’s habituales.

En esta producción hay temas como Wonders Of The Deep o Dissolve, en los que regresan a los breakbeats que los distinguieron desde sus inicios y que son piezas que intercalan movimientos muy rítmicos con atmósferas ambientales, junto con piezas para bailar sin descanso como Escape Velocity o Horse Power o canciones más sencillas y alegres como K+D+B o Swoon.

El video de Another World es uno de esos ejemplos de su ya clásico cuidado estética, en lo que las ondas sonoras van dando forma a un personaje onírico que va cantando, conjuntando lo orgánico con lo digital de la forma en que sólo esta banda sabe hacerlo.

19. AUDIO BULLYS, HIGHER THAN THE EIFFEL

Apenas el tercer disco de la banda de Simon Franks y Tom Dinsdale que reitera a Audio Bullys como una de las bandas emblemáticas de la música bailable de este siglo.

Su lejanía con las grandes disqueras, ritmos frenéticos y sus referencias constantes a las drogas y el mundo de la vida nocturna los hacen una banda de lo más atractiva dentro de un mercado más bien underground, propio de los conocedores.

Higher Than Eiffel es un disco muy bien producido que mezcla breakbeats y actitud hooligan, coqueteando por igual con el hip hop y las pistas de baile con una actitud punk desenfadada y libre de prejuicios, al menos musicalmente hablando.

Diversión y gamberrismo herederos del brit pop y la música electrónica, beats llenos de energía poco complaciente que si bien no busca la gloria eterna, consigue hacer pasar un gran rato de diversión sin compromisos (¿no es eso lo que todos queremos?).
En Only Man dan una muestra más de su desenfado y falta de complejos a la hora de componer temas bailables y con mucha acitud.

20. GORILLAZ / 21. MASSIVE ATTACK

20. GORILLAZ, PLASTIC BEACH

El grupo virtual por excelencia vuelve a las andadas, ahora transmitiendo desde una isla de ficción formada por toneladas de basura en la que habitan los ya conocidos gamberros animados llamados 2D, Murdoc, Noodle y Russel.

Con Plastic Beach, su tercer disco en 10 años, esta inclasificable banda se ha consolidado como algo más que sólo un proyecto, sino toda una influencia en la forma de hacer música.

Con este trabajo, Gorillaz intenta hacer una reflexión acerca de “la melancolía de comprar una comida preparada en montones de empaques de plástico”. Una reflexión ecológica y nostálgica acompañada de buenas canciones y unos estupendos video animados.

Con su acostumbrado eclecticismo y desdén de cualquier etiqueta, entre sus 16 temas hay rap y dub, pop y hip hop, groove y downtempo, sintetizadores y cajas de ritmos, canciones muy bailables y armonías etéreas.

Un disco enorme, no sólo por sus composiciones sino por el calibre de los invitados que acompañan a Damon Albarn, como Mos Def, Snoop Dogg, Bobby Womack, Gruff Rhys (Super Furry Animals, Neon Neon), Mick Jones (The Clash) o el mismísimo Lou Reed.

Y por si todas las colaboraciones fueran pocas, el video de Stylo tiene como invitado especial al inigualable Bruce Willis.

21. MASSIVE ATTACK, HELIGOLAND

El caso de Massive Attack es peculiar. Es una banda creadora de un sonido que ha hecho época en la música popular contemporánea y es muy difícil continuar una carrera renovando y actualizando un estilo tan  poderoso. Sin embargo, a pesar de ser fundadores del trip hop, que ahora les viene chico, siguen evolucionando y con cada producción vuelven a llamar la atención.

Con apenas cinco discos en 20 años, puede ser que precisamente por cuidar su carrera los de Bristol hayan logrado sorprender y cautivar con Heligoland.

Como siempre, evitando lo obvio, le dan una vuelta de tuerca más a su estilo hipnótico y sicodélico, oscuro y cautivador, dramático y sensual, con arreglos épicos, toques finos de cuerdas, teclados y loops, instrumentos orgánicos y electrónicos y una soberbia producción.

En las voces, cuenta con la colaboración de Tunde Adebimpe (TV On The Radio), Damon Albarn (Blur, Gorillaz), Hope Sandoval (Mazzy Star) o Guy Garvey (Elbow), que junto con la voz de Horace Andy hacen de este álbum una verdadera delicia
La protagonista del video de Paradise Circus es la actriz porno Georgina Spelvin, quien fuera una estrella de este género en los 70. Y EL VIDEO ES PORNO TAMBIÉN, AVISO.

Massive Attack - Paradise Circus (Uncensored)

22. GALACTIC / 23. FREEBASS

22. GALACTIC, YA KA MAY

Una grata sorpresa de este año fue el sexto disco de estudio de esta agrupación de Nueva Orleans, que mezcla funk y jazz con rock, hip hop, blues, soul, R&B y world music en una nueva estética y actitud que se denomina “bounce”.

Una base de seis músicos cuya carta de presentación es una exquisita instrumentación, rica en su base rítmica, guitarras y vientos y una producción muy moderna, en la que no faltan los samplers, scratches, efectos, distorsiones y beats electrónicos.

Ya Ma Kay es una perfecta continuación de su anterior disco From The Corner To The Block,en el que se apartan del sonido más orgánico y lírico de sus anteriores trabajos y se adentran en terrenos de fusión conceptual más arriesgados.

Lejos de un accidente afortunado, es la consecuencia de un curtido oficio y una búsqueda que ha llevado a Galactic a estar en el foco de la música actual.

En Heart Of Steel, Irma Thomas se luce con una poderosa interpretación sobre una base steady beat y un bajo profundo, y el video es de lo más entretenido.

23. FREEBASS, IT’S A WONDERFUL LIFE

Tres bajistas de leyenda de la escena de Manchester se reúnen lejos de sus grupos originales en un proyecto que hace tanto ruido como se rompen nueces.

Andy Rourke (The Smiths), Peter Hook (New Order, Joy Division) y Gary "Mani" Mounfield (The Stone Roses y actualmente en Primal Scream), junto con el cantante Gary Briggs (Haven) colaboran en un proyecto que llevó cinco años en gestarse.

Después de tres EPs con composiciones originales, versiones instrumentales y remixes, por fin lanzan un álbum completo que tiene mezcla sus raíces new wave y brit pop con una insospechada fuerza y actitud rockera.

Quizás el único pecado, que tampoco es mortal, es que algunos temas suenan realmente a las agrupaciones de donde son originarios los músicos. Not Too Late suena demasiado a Smiths y The God Machine podría haber sido incluida en un disco de New Order.

A cambio, It’s A Wonderful Life nos ofrecen temas con mucha más fuerza, como Lady Violence, She Said o Secrets And Lies, e incluso un inesperado reggae a-la-UB40 en Stalingrad.
World Wont’ Wait es también uno de esos temas fuertes que acompañan a este trabajo. Habrá que esperar a ver si logran lanzar un segundo disco.

24. GROOVE ARMADA / 25. HOT CHIP

24. GROOVE ARMADA, BLACK LIGHT

Black Light es el sexto álbum de estudio de Groove Armada, el dúo inglés conformado por Andy Cato y Tom Findlay que comenzara su carrera a finales de los 90.

A pesar de ser básicamente un grupo de música electrónica, se apartan de los estereotipos y esquemas que los podrían encasillar en un género para acercarse al synth-pop, al big beat o al electro-rock, con composiciones acompañadas de voces y la utilización de instrumentos eléctricos y sintetizadores al estilo de los 80.

En este disco se nota la influencia de artistas como Gary Numan o The Human League, a la vez que se refleja un estilo contemporáneo que recuerda a MGMT o Empire Of The Sun (con quienes colaboran en varios temas).

Not Forgotten, Warsaw o History tienen esa especial fuerza y estilo vanguardista que siempre ha distinguido a esta banda, mientras que Cards To Your Heart o Time And Space son perfectas para la pista de baile.

Paper Romance es el segundo sencillo, lanzado a principios de año, una canción poderosa y muy bailable y un video en donde una Cenicienta demacradas deambula por la ciudad en el éxtasis de su after party privado.

25. HOT CHIP, ONE LIFE STAND

Hot Chip es una agrupación inglesa formada en el año 2000. One Life Stand es su cuarto trabajo de estudio, después del éxito mundial que supuso su hit Ready For The Floor de su disco anterior, Made In The Dark.

Su propuesta en la que se mezcla el dance y el synthpop de inmediato deja notar la influencia de grupos como Fleetwood Mac, OMD o Roxy Music, pero con un punto de actitud indie y una estética auténticamente del siglo 21.

Básicamente todos los membros tocan sintetizadores y cajas de ritmos, a los que van enriqueciendo con guitarras, bajo y percusiones. Las melodías vocales completan este cóctel de sonidos que les han ganado un lugar en la música popular contemporánea.

En este álbum tienen piezas como Hand Me Down Your Love, We Have Love o Take It In con las que no puedes dejar de mover los pies, lo mismo que baladas de atmósferas oníricas y reflexivas como Slush o Keep Quiet. 

El video de One Life Stand es la canción que da título a este trabajo, es un buen reflejo del estilo de esta producción: básico, fino y con un espíritu geek muy alivianado.

Nota: Por cortesía de la disquera, no fue posible incrustar el video original, así que va esta versión en audio para que lo escuchen. Si quieren verlo, hagan clic aquí.

26. OMD / 27. BRYAN FERRY

26. OMD, HISTORY OF MODERN

Uno de los regresos de este año fue el de Orchestral Manouvers In The Dark (OMD), una legendaria agrupación de lo 80 que lanza en 2010 su decimoprimera producción, la primera desde hace 14 años.

Causa y efecto de la música electrónica, su clásico sonido no pierde la frescura y la energía de antaño, pero con nuevos destellos de actualidad en la producción.

Lo sorprendente es descubrir la forma en que su estética aún tiene una profunda huella en una generación de músicos y productores, de forma que desde su instrumentación hasta la voz resultan igual que viejos conocidos que siempre da gusto volverse a encontrar.

Pero OMD no vive en el pasado. Temas como New Babies: New Toys, Pulse o The Right Side demuestra el porqué es una influencia definitiva en el mundo del pop y las pistas de baile.

If You Want It es uno de esos temas épicos, un himno a la nostalgia de aquellos años en los que el new wave y el synthpop, como los dinosaurios, dominaban en el mundo.

27. BRYAN FERRY, OLYMPIA

El más fashion y sofisticado dandy del pop de las últimas cuatro décadas vuelve con el disco número 13 de su carrera como solista.

Cuenta con la participación de sus viejos asociados en Roxy Music Phil Manzanera, Brian Eno y Andy Mackay, lo que es de entrada garantía de una calidad en la composición y una impecable producción.

Y aunque pasan los años, su estilo melódico, guitarras finas, arreglos de piano y sintetizadores que crean un ambiente que se completa con la voz suave, profunda y sensual de Ferry, lejos de envejecer parecen rejuvenecer de nuevo para ofrecernos un trabajo maduro y de exquisito buen gusto.

Y como no podía ser diferente tratándose de una figura de este calibre que intenta mantenerse vigente, tiene como invitados a músicos tan diversos como DJ Hell, Nile Rodgers, Dave Stewart, Scissor Sisters, Flea o David Gilmour. Hasta Kate Moss figura en la portada, como un homenaje a una pintura de Manet de 1863 con el mismo nombre que el disco.
Su colaboración con Groove Armada en el tema Shameless demuestra que sabe ser contemporáneo y que aún tiene mucho que dar.

28. SPOON / 29. WEEZER

28. SPOON, TRANSFERENCE

Esta impecable agrupación de Austin regresa con su séptima producción, con tan buena suerte que logran otro éxito consecutivo después de sus ya conocidos Gimme Fiction y Ga Ga Ga Ga Ga.

Spoon es un grupo que goza de una reputación por su continuidad y riesgo a pesar del éxito comercial (sus canciones han aparecido en películas como Stranger Than Fiction, Cloverfield o 500 Days Of Summer y en innumerables anuncios y series de TV).

Por su las influencias de su sonido folk, pop e indie rock, se podrían equiparar con bandas como Gomez. Quizás no tan intelectuales, pero son inteligentes y saben divertirse.

En Transference llaman la atención temas como The Mystery Zone, Trouble Come Running o Got Nuffin, que tienen toda la sencillez y fuerza característicos de la banda.

Sus poderosas composiciones pop se condimentan sobre la base de ingeniosas estructuras instrumentales para lograr. un aparente sonido básico de garage que demuestra en realidad una cuidada producción y el oficio que dan los años de experiencia.

Una prueba de esto es el video de Written In Reverse, un aparente ensayo grabado en blanco y negro que es en realidad un trabajo perfectamente coreografiado y magníficamente fotografiado.

29. WEEZER, HURLEY

Apenas un año después de Raditude, su anterior álbum, esta banda de Los Angeles está de vuelta con su octavo disco, una afortunada continuación en su peculiar carrera.

Hurley toma su nombre de un entrañable personaje de la célebre serie de TV Lost y tiene esa fuerza incombustible que les ha dado fama mundial, con sus guitarras duras, heróicas melodías y coros pegadizos, que evidencian la influencia de bandas como Nirvana o Pixies.

Weezer nace bajo la etiqueta de rock alternativo, tan de moda en los 90, pero a pesar de ser un grupo de singles radiofónicos y exposición a los medios que venden millones de discos, no se han encasillado en ningún género, dando lugar a incontables intentos por definir su sonido como indie rock, power pop, post grunge o pop punk, incluso experimentando en ocasiones con álbumes experimentales aún más difíciles de catalogar.

Destacan Trainwrecks, Where Is My Sex y Smart Girls, así como All My Friends Are Insects y su particular versión (no muy diferente del original) de Viva La Vida de Coldplay, grabada en vivo en Nueva York en 2009, incluídas en la versión deluxe.
Un gran trabajo que prueba que lo mediático no quita lo rockero y desmadroso, como lo demuestra el video de Memories, protagonizado por los integrantes de Jackass.

30. VAMPIRE WEEKEND / 31. HEAD LIKE A KITE

30. VAMPIRE WEEKEND, CONTRA

Tres años después de su meteórico ascenso con su álbum debut, el cuarteto neoyorkino más tropical del indie pop rock contemporáneo lanza este año su segundo trabajo, con el que confirman su sonido y demuestran una evolución modesta pero interesante.

Continúan con su inigualable propuesta de ritmos exóticos y suaves melodías. Sus letras tienen esa espontánea y contradictoria actitud adolescente que va de lo melancólico a lo delirante. No ocultan sus influencias, que van desde Talking Heads hasta Paul Simon o Harry Belafonte, siempre contando con la inconfundible voz de su vocalista.

Una vez más juegan en sus canciones con suaves paisajes que recuerdan a esos días tranquilos en soleadas playas tropicales, pero lo mejor llega cuando se atreven a subir el volumen  e intentan con ritmos más cercanos al punk, el ska o el surf que completan y redondean este sonido por demás original y divertido.

La mejor prueba de esto es Cousins, el segundo sencilo del disco, que sería el equivalente al A-Punk del primero. Una canción tan divertida como el video.

31. HEAD LIKE A KITE, DREAMS SUSPEND NIGHT

Después de dejar el sello con el que lanzaron sus dos primeros discos, este dúo de Seattle se reúne con algunos amigos instrumentistas, cantantes y raperos y lanza un sorprendente tercer trabajo.

Dave Einmo en la guitarra y la voz principal y Trent Moorman en la batería acompañados de teclados, sintetizadores y samplers, rompen con los géneros y etiquetas musicales y logran una fórmula que suena diferente, sofisticada, irreverente y muy bailable.

Composiciones que primero se escriben y se tocan con instrumentos elécticos para despues ser sampleadas y vueltas a tocar con músicos invitados y para finalmente mezclarse con elementos electrónicos, en un ejercicio de astucia e ingenio en la producción. Sus canciones son un variado muestrario de influencias reunidas con sencillez y elegancia al estilo de Beck o Gorilla
Pop rock indie, electro funk, hip hop, guitarras y breakbeats, Eclecticismo, actitud y buena vibra que se conjuntan en una muy disfrutable propuesta que te pone a mover los pies. Y en el video de We're Always On The Wrong Side Of Sunrise se nota que se la pasan muy, muy bien.

32. DAVID BYRNE + FATBOY SLIM / 33. BEN FOLDS + NICK HORNBY

32. DAVID BYRNE + FATBOY SLIM, HERE LIES LOVE

El músico y el DJ se reúnen para componer un disco conceptual acerca de Imelda Marcos, quien fuera Miss Filipinas para después convertirse en la mujer del presidente Ferdinand Marcos y durante veinte años llevar una vida de glamour hasta llegar a excesos de leyenda (como su famosa colección de más de mil pares de zapatos) que la pusieron en el ojo público como uno de los íconos más controvertidos de su tiempo.

La obra resultante es un disco doble pensado como un musical, inlcuso corrió el rumor de que se montaría un espectáculo en Broadway. Pero si no estás interesado en la historia ni en la vida de este personaje tan polémico de la historia del siglo XX, de igual manera resulta un disco muy variado y completo, perfecto para bailar o escuchar.

Para empezar, cuenta con una impresionante colección de voces femeninas, como Sharon Jones, Roisin Murphy, Tori Amos, Florence Welsh, Martha Wainwright, Natalie Merchant, Santigold, Kate Pierson, Sia o Cindy Lauper, entre otras.

En cada canción se nota perfectamente el toque de cada uno de los autores. En ocasiones, las melodías tienen todo el estilo Byrne, mientras que en otras los arreglos y la producción dejan ver claramente la mano de Fatboy. Un estilo que fusiona los sonidos electrónicos con el sabor latino y tropical, de la forma en que sólo estos dos artistas podrían hacerlo.

El video de Please Don’t fue realizado a partir de material original de cine y video, como para hacernos una idea del nivelazo que manejaba Imelda.

33. BEN FOLDS + NICK HORNBY, LONELY AVENUE

Ben Folds regresa con su séptimo album, esta vez acompañado de Nick Hornby (autor de High Fidelity y About A Boy), un pianista americano componiendo y un novelista inglés escribiendo, en una colaboración tan sorprendente como eficaz.

El título hace referencia a una canción escrita por el famoso compositor de blues Doc Pomus que fue un éxito en 1956 con Ray Charles, e incluso hay una canción con su nombre como un evidente homenaje.

Cada canción es una pequeña historia. De hecho, se publicó una version de lujo con un libro de pasta dura y 152 páginas con cuatro de los cuentos de Hornby y fotografías de Joel Meyerowitz.

Llama la atención la forma en la que las letras de Hornby combinan a la perfección con la música, de forma que se integran y funcionan como si el autor fuera el mismo.

El disco tiene sobre todo el sello inconfundible de la música intelectual y desenfadada de Folds, con sorprendentes destellos de fuerza y energía pop rock que se combinan con baladas inteligentes con un profundo toque de melancolía. From Above cuenta de forma alegremente rockera la historia agridulce de una pareja que a pesar de estar enamorados jamás llegan a estar juntos. El video es un divertido ejercicio de animación dibujado en un cuaderno, aunque el final no es del todo feliz.

34. JUNIP / 35. BJÖRK + DIRTY PROJECTORS

34. JUNIP, FIELDS

Cinco años después, el músico sueco-argentino José González, junto a Elías Araya y Tobías Winkertorn, retoman el proyecto Junip.

Aunque González es mejor conocido por su trabajo como solista, en sus comienzos tocó con bandas punk, rock y hardcore, para después reinventarse con su particular sello minimalista y ambiental, con su guitarra clásica y ese estilo suave y melodioso en su voz que lo caracteriza.

En Junip la instrumentación es más rica y el beat más intenso. No hay estridencias, ni guitarrazos ni golpes frenéticos de batería, simplemente profundas y elegantes composiciones cantadas con esa delgada voz y aderezadas con el sonido de un moog, una gran interpretación en las cuerdas y ritmos más acelerados en la batería de los que nos tenía acostumbrados.

Fields es el primer álbum de larga duración de esta banda, que fue precedido por el EP Rope And Summit. En total, 21 nuevas canciones que continúan la obra de este genial compositor e intérprete.

Always es el sencillo y el único video que realizaron (en donde un bizarro profesor intenta enseñarles a tocar con guitarras de aire), pero Far Away me parece la más representativa del disco.

35. BJORK + DIRTY PROJECTORS, MOUNT WITTENBERG ORCA

Todo comenzó cuando Amber Coffman y Dave Longstreth de los Dirty Projectors fueron al monte Wittenberg, al norte de California, a ver a las ballenas. Ahí concibieron las siete canciones que mostrarían a Björk para ser interpretadas en conjunto en un único concierto benéfico privado en mayo del 2009. Y de ahí, a grabar los temas para, un año después, lanzarlo como un EP cuyas ganancias son destinados a un proyecto de la National Geographic Society para ampliar zonas marítimas protegidas.

Así nace una de las colaboraciones más sorprendentes del año, que resulta en una obra compleja en donde los talentos de la banda de Brooklyn se amalgaman con la extraordinaria voz de la islandesa en siete composiciones ideadas para cinco voces, guitarra y acompañamiento.

Una instrumentación exquisita, grabada con micrófonos de los años 50, en vivo, en primera o segunda toma y solamente se hicieron doblajes para las voces principales y los solos. El resultado del experimento es magnífico.Y por si fuera poco, los tráilers del disco son estupendos.
Un proyecto conceptual y altruista que sorprende y conmueve.